イングマール・ベルイマン｢鏡の中にある如く｣(1961)ー②映像美、撮影監督ニクヴィスト

オープニングは、美しい水面が揺れるいくつかの詩的で象徴的なショットで始まる。バックにヨハン・セバスチャン・バッハの無伴奏チェロ組曲第2番のサラバンドが流れる。
映画タイトルは、新約聖書のコリント人への手紙の｢わたしたちは、今は、鏡に映して見るようにおぼろげに見ている｣からとっている。このオープニングはそのイメージなのだろう。
また、この言葉は登場人物四人の関係性不全も象徴していると思われる。

風光明媚なフォーレ島の自然と光をそのまま生かした映像である。ニクヴィストの映像はあくまで自然で気品にあふれ格調高く、いわく言いがたい深みがある。
室内ショットでは、窓やドアの外から差し込む光と内部の暗さのコントラストが効果的に使われている。

冒頭では、登場する四人が周囲に広がる海から仲良く楽しそうにあがってくるショット。この後の混乱と絶望と崩壊と対照的な皮肉な始まり方。

室外の自然がバックのシーンが開放的なだけに、室内シーンは閉塞的な緊張感が高まる。
統合失調症のカーリン(ハリエット・アンデルセン)が、早朝に鳥の鳴き声でふと目を覚ます。アップでカーリンの表情が映り、その目に不安と空虚が感じられる。
一切言葉で説明せずに、カーリンの心の闇を表情と、特に目だけで表現しきる見事さ。
それには、ハリエット・アンデルセンのあの強い光を放つ表情豊かな目が必要だったわけである。

カーリンが自分の内に聞こえる幻聴に取り付かれる目が完全にいってしまった顔のアップ、夫のマッティン(マックス・フォン・シドー)が絶望してとりすがる。
カーリンを病院に運搬するためのヘリコプターの轟音がかぶる。部屋のドアがヘリコプターの風圧で自然に開く。
カーリンの絶望的な表情のショット。風圧できしむ窓の外にヘリコプターが一瞬映って下方に移動して消える。

こうして言葉で説明しているのがもどかしい。個人的に一番印象的だったショットなのだが、その映像と音の圧倒的なイメージやニュアンスはやはり実際に観てもらうしかない。

カーリンが廃船の中から、上部の光がさしこむ入口を見上げるどうということもないショットにも痺れた。これも言葉では説明不能だ。

音楽はヨハン・セバスチャン・バッハの無伴奏チェロ組曲第2番のサラバンドが時折短く流れる以外は使われず、自然音だけである。
今述べたヘリコプターの音もきわめて効果的だった。カーリンと弟のミーヌスの間に｢事件｣があった後に、大雨が降り出して、二人が濡れそぶり雨音がかぶるシーンも印象的だった。二人の虚脱感、絶望感がイメージとして表現されている。
二人の｢事件｣の前に、船底から静かに響く水音も、不気味な予兆を感じさせた。

さて、こうして映像美しさを言葉で書こうとしてきたのだが、こういうのが一番骨がおれる。そもそも映像や音のイメージを言葉で表現しきれるわけがないので。
むしろ映画内容やその分析を書いたりする方がよほど楽だ。

この説明不能な美しさの秘密を知りたくて、撮影監督のスヴェン・ニクヴィストが、この｢鏡の中にある如く｣をどう撮ったのかを、chatGPTに質問してみた。
引用するchatGPTの回答は、説明の便宜のため原文のまま掲載している。

（以下引用始まり）

『鏡の中にあるごとく（1961）』におけるスヴェン・ニクヴィストの撮影は、抽象的な「名調子」ではなく、きわめて具体的なショット設計の積み重ねによって成立しています。以下では、作品を代表する重要ショット／場面を、構図・光・カメラ距離・心理効果のレベルで解説します。
（※ネタバレを含みます）

① 冒頭：島に到着するショット群
――「世界はまだ壊れていない」という仮の安定
● ショットの特徴
ロング〜ミディアムショット中心

カメラはほぼ静止

海・空・家屋を含む広いフレーミング

光は完全に自然光（曇天気味の拡散光）

● 撮影上のポイント
ニクヴィストはここで、人物を環境に溶け込ませる構図を取ります。

人物はフレームの中心に強調されない

背景（島・海）が同等の存在感を持つ

コントラストは弱く、影も浅い

● 効果
家族がまだ「世界の一部」として存在している感覚

狂気や断絶はまだ画面に現れていない

観客は無意識に「安定」を信じてしまう

👉 後半でこの均衡が崩れるための、意図的な“平常”の提示です。

② カリンのクローズアップ（屋内・窓際）
―― ニクヴィスト的「顔の映画」の核心
● 構図
タイトなクローズアップ

カリンの顔はほぼ正面

背景は暗く、情報量を削減

● 光
横からの自然光（窓光）

片側の頬が明るく、反対側が影に沈む

しかし影は黒く潰れず、グレーに保たれる

● 技術的に重要な点
強いキーライトを使っていない

反射光（バウンス）で最低限のディテールを残す

目の中に必ず小さなキャッチライトが入っている

● 効果
顔が「心理の地形」になる

善悪・正気／狂気の二分ではなく、揺らぎが可視化される

観客は「説明」ではなく「観察」を強いられる

👉 ここでのクローズアップは感情を煽らず、耐えさせる。

③ 屋内・食卓のショット
―― 家族という“制度”の不全を示す配置
● 構図
ミディアムショット

人物同士が微妙にフレーム内で離れている

テーブルが心理的な「境界線」になる

● 光
天井照明のように見えるが、実際は極めて計算されたソフトライト

影は下に落ち、顔の上半分は相対的に暗い

● 効果
家族が「一緒にいる」のに、精神的には分断されている

特定の人物だけを強調しない＝全員が孤立している

👉 ニクヴィストは「孤独」を暗闇で表さない。
👉 均質な光こそが孤独を作る。

④ 廃屋（精神崩壊が進行する場面）
―― 光が“敵”に変わる瞬間
● 構図
フレームが急に狭くなる

壁や梁が人物を圧迫する

画面奥行きが失われる

● 光
上からの不自然な光

顔にムラのある影

それまでの拡散光とは質が変わる

● 決定的ポイント
ニクヴィストはここで初めて、

光を「包むもの」から

光を「侵入してくるもの」に変える

● 効果
世界がカリンを理解する場ではなくなる

神の沈黙が、空間の圧迫として可視化される

👉 ベルイマンの神学的主題を、ニクヴィストは空間光学に翻訳している。

⑤ 壁紙のクローズアップ（蜘蛛の幻覚直前）
―― 世界が「意味を失う」瞬間
● ショット内容
人物ではなく、壁の模様

ごく短いカット

カメラは静止

● 光
均一

コントラストなし

しかし微妙なテクスチャが浮き上がる

● 効果
世界が突然「顔」ではなく「物」になる

意味の焦点が失われる

観客も一瞬、どこを見ていいか分からなくなる

👉 このショットは心理描写のための抽象ショット。
👉 ニクヴィストは説明的モンタージュを拒否し、知覚そのものを揺らす。

⑥ 終盤：父と息子の会話（浜辺）
―― 愛はあるが、救済はない
● 構図
ミディアムショット

2人は横並びだが、視線は交わらない

背景に海と空（初めと同じ要素）

● 光
再び自然光

だが冒頭よりコントラストが強い

顔に微妙な影が残る

● 効果
世界は元に戻った「ように見える」

しかし光は同じではない

観客は「回復」ではなく「受容」を感じる

👉 同じ自然光でも、心理状態が違えば光は違って見える。
👉 これがニクヴィストの最重要原理。

総括：この映画のショット設計の本質
『鏡の中にあるごとく』でニクヴィストがやっていることは、

派手な構図 → ない

表現主義的照明 → ない

カメラの自己主張 → ない

その代わりに、

光の質を心理の進行と同期させる

フレーミングの「狭まり」で精神崩壊を示す

顔を「物語の最小単位」にする

つまりこの映画は、

ショット一つ一つが、精神状態の微分になっている

と言えます。

（以上引用終わり）

この解答には驚嘆してまいってしまった。自分は映画を意味や内容で解釈するのでなく、映像自体をわりと注意深く観ているつもりだった。
だが、このスヴェン・ニクヴィストの緻密な撮影技法を知ってしまうと、自分などほとんど何も見ていないに等しい。

これを読んでから、もう一度映画を見直してみた。
例えば、カーリンの室内撮影について、｢横からの自然光（窓光）片側の頬が明るく、反対側が影に沈む｣と言っているのもその通りである。
その頬の明るさと影が、カーリンの内面の正常と異常、光と影を表現しているというわけである。
これらを意識してこの映画を観ればさらに深く理解して楽しめること間違いなしである。

まだ、この映画については続けるつもりです。

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