なぜ「審美眼」が磨かれないのか？：美術愛好家も意外と気づかない「3つの罠」と、すぐに試せる3つの克服法

第１章：🖌️美術館の帰り道、なぜか「ため息」をついてしまうあなたへ

[画像イメージ：静寂な美術館の廊下で、一人の人物が巨大な抽象画の前に立ち、じっとキャンバスを見つめている後ろ姿。窓から差し込む柔らかな午後の光が、床に長い影を落とし、鑑賞者と作品だけの親密な空間を演出している写真]

楽しみにしていた美術館の展示室に入る。

静かな空間に並ぶ、教科書で見たことのある巨匠の名画。

その前に立って、じっとキャンバスを見つめる。

……そのとき、あなたの頭の中では、こんな「独り言」が小さく響いていないですか。

どうです。

一つでも「あっ、私のことだ」って思うものがあったなら、このまま読み進んでくださいね。



実はこれ全部、画家になる前の僕の感想です。

私は古本屋をリストラされたあと、

38歳という、お世辞にも早いとは言えない年齢で、

独学で画家の道を歩み始めたんです。

（詳しいことは、「自己紹介します」を読んでね。）

コネもなければ、専門的な教育を受けた経験もない。

そこで、芸術系の大学のカリキュラムを調べて、

一通りの知識は頭に入れました。

（今じゃ殆ど忘れてますけどね。）

しかも手先は器用だったから、技術は半年もあれば身についたんです。

だけど、そのとき僕は、ものすごい壁にぶつかったんです。

「僕が身につけたこの技術は、一体何のためなんだろう？

そもそも絵画の本質って、何なんだ？」

そんな事を考え始めたら、次から次へと疑問が出てきて、

完全に行き詰まっちゃったんです。

「今更！」

ですよね。

そこからは開き直り、毎日、過去の名画を分析し始めたんです。

さらに、僕がものを見るときのクセと、

実際に絵を描くという試行錯誤が功を奏して、

ようやく僕は一つの「確信」にたどり着いたんです。

だからこそ、一歩先を歩く案内人として、

あなたにまず、単純な事実を伝えさせてほしいんです。

あなたが自分の「審美眼」に自信を持てないとしたら、

それはあなたのセンスが足りないからじゃない！

勉強量が足りないからでもない！

これは断言できます。

「審美眼」なんていうと、

芸術作品の良し悪しを見極められる

特殊な能力のように聞こえますが、

実はこれ、誰もが日常生活で使っている、

バランスを求める「感覚」を、

絵画鑑賞モードに切り替えただけのことなんです。

ただ、この「感覚」を使いこなすには、

これからお話する３つの罠に陥らないことが肝心です。




今回の記事は、約２万文字になってしまったので、

次に記事全体のまとめと、目次を載せておきますので、

これらを利用して、どんどん飛ばし読みしちゃって下さいね。

記事全体のまとめ

あなたの審美眼を邪魔する３つの罠と、それに陥らないためのトレーニング方法は、次のとおりです。

「観ている」という、最大の錯覚

３つの罠についてお話しする前に、

錯覚の話をさせてください。

僕も以前はよくやってたんですが

美術館で絵画を前にしてすぐに、

作品解説の白いパネルを読んでから、

じっくりと絵を観はじめるってやったことありませんか。

これをやるとほとんどの場合、

視線は絵画に向いていても、

自ら「観察すること」を完全にやめた状態になります。


「えっ？ 私はちゃんと、絵の前に立って、時間をかけて観ていたよ？」


そう言いたくなりますよね。

その気持ちはよくわかる。

でも、人間の脳ってやつは、

私たちが想像している以上に「怠け者」で、

それでいて「賢い」システムを持っているんです。


僕たちは通常、目の前にある視覚情報のほんの一部しか実際には認識していないんです。

そもそも脳は、自分の「見たいもの」しか見ませんし、

自分が知っているものは、あえて観察しようとはしません。

そしてなにより脳は、エネルギーを節約するために、

網膜に映った対象を、無意識のうちに一瞬で、

言葉のラベル（名前など）をペタッと貼り付けてしまうんです。

これは日常生活でも、絵画鑑賞のときでも変わりません。

たとえば、キャンバスに置かれた緑色と茶色の塊を見た瞬間脳は、

「これは『木』だ」

とラベリングします。

そして、ラベリングが完了した瞬間に脳は、

「よし、これは木だから、これ以上詳しく見る必要はないね」

と、それ以上の観察を拒否しちゃうんです。

美術館で絵を観ていたつもりだった僕が、

実際にやっていたことは、

作者が試行錯誤のうえ画面上に置いた「生々しい線」や「奇跡的な色の響き合い」には目もくれずに、

僕自身の脳が作り出した「木」や「顔」や「空」という、既知の言葉（ラベル）に一致する対象を画面上で確認していただけだったんです。

僕の絵画鑑賞はまず「解説パネル」に書かれた文字情報を読み、

有名な評論家の言葉を頼りにして、

画面上でそれを確認する。

これの繰り返しで、

なんともお粗末なものでした。

せっかく絵画を見にきたのに、

概念情報を得ただけで終わってたんです。

もったいなすぎますよね。



もしあなたも、僕と同じような経験があったら、

これからお話しする「3つの罠」の正体を理解すると、

絵画を観る目が変わるはずです。

キャンバス上で展開される「本当の美しさ」を、新鮮な眼で捉えられるようになります。

これがうまくいけば、他人の意見なんてどうでもよくなるくらい、

自分の感性に自信が持てるようになりますよ。


あなたがこれまで美術館で感じていた「もどかしさ」の正体を、

あなたの眼を曇らせ、「感覚」をストップさせていた、「3つの罠」の正体を、

これから一気に暴いていきますね。

でも、1つ目の罠は、もうだいぶ話しちゃったんです。

そうです。脳のラベリング（名前付け）の罠のことです。

脳にラベリングのクセがあるがために、

絵画を観るときに、現実に似ているかどうかが、

けっこう気になっちゃうんですよね。

もしラベリングのクセがなかったら、

世界はどう見えると思いますか。

実は、子どもと画家は、皆とは言いませんが、

案外、ラベリングのクセがないんです。

これが、画家の物の見方のクセなんです。

この話を踏まえて、次の罠①の話にお付き合いください。

第２章：🖌️3つの罠の解剖

罠①：「脳のラベリング（名前付け）」の罠

ヤツデの思い出

まず、僕のちょっと格好悪い、

でも今思えばその後の僕の運命を決める、

子供の頃の話をさせてください。

この話は、「自己紹介します」でも書いたので、

すでにお読みの方は、飛ばし読みしてください。


小学校二年のときの図工の時間、

友達の肖像を描いていたときのことです。

転校してきて初めての授業だったので、

僕はほとんど知らない新しい友達の顔をよーく観て、

とにかく真剣に取り組んだのを今でも鮮明に覚えています。

心の赴くままに、線や色を画用紙の上に走らせました。

僕にとっては、その線や色こそが、言葉のように友達を表現する手段だったんです。

だけど、完成した絵を観た担任の先生が放った第一声は、

「あいやまー」(その地方では、驚いた時に使われます)

つまりは、箸にも棒にもかからないひどい出来だ、と言う意味でした。

当時の学校教育が求める「写真のようにそっくりで写実的な正解」から、

僕の絵はあまりにも外れていたから、

先生は、ただ呆れるだけでした。


その次の図工の時間、課題は「ヤツデの葉を詳しく描く」でした。

先生は、前回の僕の肖像画があまりにもお粗末だったから心配したんでしょうね、

僕の隣につきっきりになって、

特に力を入れて指導してくれたんです。

「野澤くん。よーく観て描くんだよ」

僕はその言葉を真剣に受け止めて、

今回はとにかく、ヤツデの葉の形をそっくり写し取るように心がけました。

僕の中で前回と決定的に違っていたのは、

自分の心の赴くままに「線」や「色」を使うのを、きれいに「やめた」ことでした。

結果は、前回とはうって変わって、クラスの優秀作品として廊下に飾られることになったんです。

担任の先生も、結構褒めてくれたのを覚えています。

でもね。そのときから僕は、絵を描くことに対する興味を、失ってしまったんです。

「絵を描くって、なんかつまらないな」

それが、幼い僕が心の中で呟いた正直な感想でした。

今なら、その理由がはっきりとわかります。

友達の肖像画を描いたとき、僕は子供ながらに、

「線」や「色」を「自分の言葉」の代わりに使ってたんです。

だけどヤツデの葉を描いたときは、

単に「本物の形に似せるだけのための道具」として「線」や「色」を使っちゃったんですよね。

その結果、なんだかとても不自由な気分になって、

せっかく褒められたのに、「つまらない」という印象のほうが強かったんです。

実は、この「形を似せるための道具」として「線、色、形」を使うことこそが、

僕たちが大人になっても無意識にハマり続けている最初の罠の正体なんです。

つまり、「線、色、形」が脳のラベリングどおり（現実どおり）に使われているほうが、解釈しやすいので、そちらが優先されるわけです。

脳が仕掛ける「省エネ」の罠

先ほど少し、脳の「省エネ」の話をしましたが、

脳はいつでもこれをやろうとします。

日常生活でも、絵画鑑賞の時でも変わりません。

目の前にある膨大な視覚情報のうち、

脳が実際に処理して認識するのは、そのごくごく一部にすぎません。

その理由は、脳はエネルギーを節約するために、

「頭の中にすでにある既知の情報と一致するものだけを、無意識に選り好みして見る」

という強力なフィルターをかけるからです。

つまり、脳はすでに知っているものしか見ないのです。

たとえば、キャンバスに描かれた緑色や茶色の絵の具の重なりを見た瞬間、

それが現実の「木」に似ていれば、

僕たちの脳は一瞬で「これは『木』だ」と判断する。

そして、「木」という言葉のラベル（名前）をペタッと貼り付けた瞬間に、

脳は「よし、もうこれ以上詳しく観る必要はないね」

と判断して、後は何も観ようとしません。

これが、脳の「ラベリング（名前付け）の罠」です。



美術館であなたが「綺麗だけど、どこが良いのかわからない」

「自分の感性に自信が持てない」と立ち尽くしてしまうのは、

あなたのセンスがないからじゃありません。

あなたの眼が、いや脳が、これは「木」、これは「聖母マリア」、これは「犬」と名前のラベルを貼り、

観察を強制終了させてしまっているからです。

僕たちは、絵画という生々しい視覚情報を観ているようでいて、

実は自分の脳内フォルダにある「言葉のラベル」を確認するだけの、退屈な作業をしていただけだったんです。

レオナルド・ダ・ヴィンチが破壊した「名前の境界線」

　ここで、「対象の名前を捨てて世界を観る」ということの凄さを、

美術史上の絶対的な巨匠、レオナルド・ダ・ヴィンチの眼を通して感じてみませんか。



レオナルドは、人間と自然、そしてそれらを取り囲む宇宙を完全に一つのまとまりとして捉えようとしたんです。

そんな彼が一番重視していた考えがありました。

そもそも当たり前のことなんですが、

それを絵画で実現するところが桁外れなんです。

それは、「自然界には、輪郭線（境界線）なんてものはどこにも存在しない」という考えです。

言われてみれば、

「当たり前じゃん」

ですよね。

でもこれを絵画で実現するってことは、

輪郭線なしで対象を描き、

ひとつひとつの対象が見分けられるようにし、

それでいて、「ラベリングの罠」にはまりにくくする。

ってことです。

彼はこの難問を、見事に解決しました。

レオナルドの考え方と解決策はこうです。

こう考えるレオナルドは、この脳が作り出す便宜上の境界線を、

キャンバスの上で完全に溶かしてしまったんです。

例の有名な、フスマートと呼ばれる、輪郭線が見えない技法です。



彼は、肉体も空間も、石ころも空気も、

固定的で不変なものではなく、

すべては等しく流動的な「微細な粒子」の集まりとして捉えたんです。

だからこそ、彼の描く『聖アンナと聖母子』では、主役である「聖母たち」と、足元に転がっているただの「石ころ」が、「同格」の存在感を持って画面の中に息づいているんです。

つまり、主役（図）だけを目立たせて脇役（地）をただの背景とするのではなく、

すべてを「同格」として捉えたのです 。



レオナルドが実現した画面全体の統一感は、

彼が、脳の「ラベリングの罠」を完全に超越して世界を観ていたからこそ、生まれたものなんです。

今すぐ知覚を書き換えよう：「名前の廃棄」

じゃあ、僕たち一般の愛好家が、ダ・ヴィンチのような自由な眼を最短で取り戻すにはどうすればいいか？

その具体的な処方箋が、後で出てくる、

「知覚の初期化（名前の廃棄）」

なんです。

ここではちょっとだけ先取りしちゃいますね。

やり方は、驚くほどシンプル。

特別な美術の知識なんて1ミリもいりません。

次回の美術館、あるいは今あなたが過ごしている部屋の中で、目の前にあるものを観るときに、

心の中でその対象の「名前（ラベル）」を無視する練習をしてみてほしいんです。

たとえば、窓から見える「木」が何気なく目に入ったとき、

脳が「木」と呟くのを手前で引き止め、

心の中でこう言い換えてみるんです。

「茶色の垂直に伸びる勢いと、その周囲でせめぎ合っている複雑な緑色のかたまりが見える」

あるいは、友達の顔を観るとき、

「光を受けて前方に飛び出してくるピンク色の中間色調が見える」

つまり、名前ではなく「状態」に注目するわけです。


状態に注目した瞬間、あなたの脳は、

「ラベリング」という「省エネ」の機会を奪われて大慌てし、

強制的に「観察モード」を起動し始めるはずです。

そうすると、それまでただの「木」や「顔」という記号に隠されて見ていなかった、

「複雑で微妙な色調」や、「隣り合う色どうしの対立関係とその解消」などに気づき始めるはずです。


「名前を捨てる」だけで、その瞬間からあなたの眼は、

誰もがこれまでに見てきたものを、初めて見るかのように見ることになります。

名前のラベルを一枚剥がすだけで、これまで見慣れていたはずの景色が、全く別の表情を持ってあなたに迫ってきますよ。

ぜひ、やってみてくださいね。



でも、この「ラベリングの罠」を突破したあなたでも、

2番目の罠は、さらに手強いですよ。

それは、僕たちが美術館に行くたびについ求めてしまう「正しさ」と、

心を簡単に揺さぶられてしまう「意味」の罠です。

「なぜ、解説パネルを熱心に読めば読むほど、あなたの審美眼は鈍ってしまうのか？」

「なぜ、絵に描かれた物語に感動しているうちは、絵画の本質にたどり着けないのか？」

次の罠は、「クイズの答え合わせ」のような不自由な鑑賞の根本原因です。

罠②：「正しさと意味」の罠 

罠①を突破したあなたでも、次の罠②に対してはどう対処しますか。

それは「正しさと意味」の罠です。

僕自身も経験があるけど、

美術館に行ったときのことを思い出してみてください。

展示室に入って名画の前に立ったとき、

あなたの視線はキャンバスよりも先に、

その横にある小さな白い「解説パネル」に吸い寄せられたってことありませんか。

そこには、ギリシャ神話のエピソードや、聖書の教え、あるいは「この画家がいかに不遇な生涯を送り、失意のうちにこの絵を描いたか」といった、ドラマチックな解説が細かく書かれていますよね。

それを熱心に読んで、「なるほど、そういう背景があるのか！」と頭で納得したあと、

ようやく絵を数秒だけ、「確認」するように眺めて、

次の作品へと足を進める。

これって、絵画を観ているんじゃなくて、

単なる「正解」の確認をしているだけだと思いませんか？

絵画の2つの目的：「概念の伝達」と「真理の追求」

もちろん、絵画の背景にある歴史や物語を学ぶことは、

決して悪いことじゃないないですよ。

でも、そこに「正解」や「お勉強としての知識」ばかりを求めていると、

あなたの審美眼は完全に眠り込んじゃいます。


ただ誤解のないように、確認しておきたいのですが、

絵画の目的によっては、聖書や神話の知識や約束事などを知っておく必要もあるんです。

ですからここで予備知識として、絵画の目的を大きく2つに分けて整理しておきますね。

1つ目の「概念伝達型絵画」というのは、

言葉の代わりに「線、色、形」を使って、

特定の「意味」や「観念」を人に伝えるための絵画のことです。

18世紀以前のヨーロッパの絵画の多くは、このタイプに当てはまります。

たとえば、白い百合の花が描かれていたら

それは「聖母マリアの純潔」を意味し、

赤色は「殉教」を意味する、というように、

画家と鑑賞者との間で共有されている「約束事（共通了解事項）」を使ってメッセージを伝える仕組みになっています。

これは、いわば「視覚的な言語」ですから、

ルール（知識）を知らないと何を言っているのかわからないのは当然なんです。

だけど、19世紀に入って写真が登場し、社会の仕組みが変わる中で、

セザンヌやマティスといった画家たちが中心になって、

もう一つの潮流が力強く立ち上がってきました。

それが、2つ目の「真理追求型絵画」です。

彼らが目指したのは、宗教的な物語を説明することでも、文学的なストーリーを再現することでもありませんでした。

彼らが求めた「真理」とは、道徳的な正しさではなく、

画面上の秩序そのもの、

つまり、「線、色、形」が、互いに損なうことなく支え合っている関係（対立関係の解消）そのものだったんです。


それなのに僕たちは、近代以降の「真理追求型絵画」を観るときでさえ、

無意識に「この絵は何を描いているんだろう？ 」

「どんな意味（ストーリー）があるんだろう？」

と、正解や意味を探そうとしてしまいます。

これが、僕たちの感覚をストップさせてしまう2番目の罠、「正しさと意味」の罠の正体です。

マティスの「緑の筋」という解決策

「それじゃあ、正しさと意味にとらわれずに済むにはどうすればいいんだ」

そう思われますよね。

言葉で言うのは簡単だけど、

実際にどうすればいいのか、実例が必要ですよね。

そこで、アンリ・マティスが描いた、

『緑の筋のあるマティス夫人の肖像』

を例に、お話ししますね。

この絵を初めて観た人は、間違いなくこう思うでしょう。

「なんで夫人の顔の真ん中に、こんな不自然で太い『緑色の筋』が引いてあるんだ？ マティスは、奥さんの顔が本当に緑色に見えたのか？」って 。

でも、答えは当然「まさか」です。

マティスはこんな質問をされるたびに、

「私は、絵を描いたんです」

と答えていたそうです。


まさに、その通りなんです。

マティスは、目の前の夫人の顔をそのままコピーしようとしたんじゃありません。

彼はキャンバスの上で、「色どうしの対立関係」を解消しようとしていたんです。

これが彼の言う、絵を描くということだったんです。


顔の左右に置かれた、お互いに反発し合う色彩 。

そして、背景にあるまったく異なる3つの色面 。

このままでは、画面全体のバランスがバラバラに崩壊してしまう----、

その時マティスが打った「解決策」こそが、あの顔の真ん中の「緑の筋」だったんです。

彼は、この緑の筋を一本引くことで、左右の対立する色彩や背景の色面を、

互いに損なうことなく支え合う「調和（対立関係の解消）」へと導いたんです。


ここで試しに、上の画像の「緑の筋」を、鉛筆でそっと隠してみてください。

どうですか？

鉛筆を置いた瞬間、画面全体の魔法がふっと解けて、

顔の左右の色はただぶつかり合い、

背景の色面はバラバラに主張を始めて、

絵が崩壊していくような感覚を覚えませんか？  

マティスは、この「緑の筋」を「奥さんの顔がそう見えたから」描いたんじゃないことは確かです。

それに、現実の再現を目指したわけでもなければ、「正しさ」や「意味」を観て欲しかったわけでもないんです。

彼は、画面全体の対立関係を解消し、一つのまとまり（統一感）を作るために「緑の筋」を描かざるを得なかったんです。

これを僕は、「必然的デフォルメ」と呼んでいます。


このように、「正しさ」や「意味」を捨てると、画家の「決断」を追体験できるんです。


解説パネルに書かれた聖書、神話のストーリーや歴史的背景は、言ってみれば他人が作った「外側の情報」にすぎません。

だけど、マティスが画面の崩壊を防ぐために置いた「緑の筋」のような造形上の工夫は、画家がキャンバスの上で試行錯誤した生々しい「内側の真実」です。

どうせなら、「内側の真実」に迫りたいですよね。


あなたが美術館で「歪んだ形」や「不自然な色」に出会ったとき、「これは何を意味しているんだろう？」という謎解きを、一度きれいに捨ててみてください。
［注］「概念伝達型絵画」はこの限りではありません。「真理追求型絵画」の場合です。

そして、もしその部分がなかったら、と想像してみてください。

その時、画面全体がバラバラになってしまうのなら、

その「歪んだ形」や「不自然な色」は画家が成し遂げた「対立関係の解消」の動かぬ証拠です。

この「画家の試行錯誤と決断」を自分の身体感覚で追体験することこそが、

絵画鑑賞の醍醐味です。


「お勉強」としての「正しさ」を追い求めるのをやめ、

絵画の「意味」を追いかけるのをやめたとき、

画家たちがキャンバスの上に残した「感覚情報」をより身近に、ダイレクトに感じられるようなります。

あなたの「審美眼」が、

解説パネルの支配から解き放たれて、

本当の自立を果たすのはこの時です。



この「脳のラベリング」の罠と「正しさと意味」の罠をクリアしたあなたの前に、最後に立ち塞がる罠が、

美術愛好家も意外と混同し続けている罠なんです。

それが、「感情と美的感覚の混同」の罠です。

「感情を刺激されて感動すること」と

「美的感覚を刺激されて感動すること」は、

実はまったく別の脳の働きなんです。

「なぜ、喜怒哀楽の感情表現ばかりを追い求めていると、絵画の本質を見失ってしまうのか？」

次は、この「最後の罠」の正体を、

僕の人生を根底から変えてしまった、

ある「音楽」との出会いのエピソードと共に、お話しします。

罠③：「感情と美的感覚の混同」の罠 

これまで「脳のラベリング」の罠と「正しさと意味」の罠についてお話ししてきました。

この2つの罠をすり抜けるだけでも、

あなたの絵画に対する態度は、

今までとは比べものにならないくらい自由で、

能動的なものに変わり始めているはずです。


最後の罠は、美術愛好家も意外と混同し続けている、
「感情と美的感覚の混同」の罠です。



ここでちょっと、僕の経験を聞いてください。

美術館で、歴史的事件の悲劇を描いた名画の前に立ったときのことです。

僕はこんな風に思ったんです。

あなたは共感してくれるでしょうか。

もし共感してもらえたら、続きを読み進めて下さいね。


当時の僕は、絵画を観て感動したことなどなく、それどころか、感情を動かされたことさえなかったんです。

そのときはまだ絵画の本質を掴めていなかったので、

自分の感性が鈍いせいだと思っていました。

でも、大きな勘違いだったんです。

僕の感性が鈍いわけでも、冷めているわけでもなかったんです。

ただ「映画や小説に感動したときの感情」と、

「絵画が本来もたらしてくれる純粋な美的感覚」を、

混同していただけだったんです。

絵画は「泣けるストーリー」を語るには向いていない

そもそも、人間ってどんなものに強く心を揺さぶられて、感動するでしょうか？ 

例えば映画なら、不遇な主人公が困難を乗り越えていく姿。

小説だったら、愛する人を失った登場人物の深い哀しみ。

これらに共通しているのは、感情が揺さぶられることと、

時の経過とともに展開する物語があるということです。

それじゃあ、壁に飾る絵画はどうでしょう。

絵画は、一瞬で全体が目に入ってしまう「静止した画像」ですよね。

映画のように登場人物を動かすことはできないし、

小説のように登場人物の心理を言葉で事細かに説明することもできません。

つまり絵画はその性質上、

「ストーリーを語って人の感情（喜怒哀楽）を揺さぶる」ことには、本質的に向いていない表現形式なわけです。

言われてみれば、当たり前のことなんですが、

案外見過ごされているようなんです。

絵画にできる「感情表現」なんて、

せいぜい顔の表情をパターンとして再現して見せることくらいです。

どれほど現実と見紛うほどに、

様々な表情が描けているとしても、

作者の技術に感心することはあっても、

それは美的感覚が刺激されて感動するのとは全く違います。

もしもあなたが「泣けるストーリー」や「劇的な感情の興奮」などを求めて絵画を観ているのだとしたら、

それは、絵画という感情表現に不向きな表現形式に対して、

無茶振りをしているようなものです。


「じゃあいったい絵画の何に、私たちは感動する事ができるのか？」

そう思いますよね。

その答えを、僕の芸術作品に対する、

当時まだあやふやだった考え方を確信に変えてしまった、

ある衝撃の体験を通して、

あなたにお伝えしますね。

ブルックナーの交響曲第4番が、僕にもたらした衝撃

画家になってまだ間もない頃、

僕の芸術に対する考え方を確信に変えた、

忘れることのできない体験をしたんです。

この話は「自己紹介します」でも話したことなので、

すでにお読みの方は、飛ばし読みしちゃって下さいね。



ある夜アトリエで一人、何気なくアントン・ブルックナーの「交響曲第4番」を聞こうとしたんです。

この曲はたまに聞くことはあったんですが、その日は何故か特別でした。

音がなり始めた瞬間、言葉を失うほどの衝撃を受けたんです。

言葉では伝えられない、始めての感覚でした。

それは、悲しい映画を観て涙を流すような興奮でもなければ、

困難を克服した映画の主人公に共感するような感情の高ぶりでもありませんでした。

何しろ、歌詞もない、純粋な音の組み合わせだけで構築されたクラシックの交響曲ですから、

分かりやすいストーリーなんて存在するはずもないんです。

でも僕はある感覚に衝撃を受けたんです。

「冒頭から最後の音に至るまで、すべての音が、そこ以外にはあり得ない完璧な場所にぴったりと収まっている」

という感覚です。

曲の中で、時に音がぶつかり合い、不安定に揺らぎ、対立しながらも、

最後には互いに損なうことなく支え合い、

「対立関係の解消」へと着地していく。

その完璧な調和を耳がキャッチした瞬間、僕は、

今までに経験したことのない強烈な「感覚の充実（しっくり感）」と、これ以上ないほどの「心の安定」を感じたんです。

その「感覚の充実」があまりにも自然に湧き上がってきたので、僕は本気で、

「あっ、この曲は、ブルックナーが僕だけのために特別に作ってくれた曲だ！」

って感じたんです。

この体験を通して、僕は確信したんです。

芸術が我々に贈る最高のプレゼントは、

喜怒哀楽の感情の興奮じゃありません。

対立関係の解消の瞬間を作者と共有したときに訪れる、

「感覚の充実（しっくり感）」そのものだったんです。


これは音楽に限ったことじゃないんです。

感情を脇に置き、「感覚の充実（しっくり感）」を体験する。

これは絵画でも全く同じです。

名画の前に立ったとき、感情表現を求めたり、

感情を刺激されたかどうかで評価しようとするのを、

一度やめてみてください。

代わりに、画面の中で激しくせめぎ合っている造形要素（線、色、形）そのものに注目してみてください。

例えば、「不安定に右に傾いた強い線」と、

「それを右下からそっと押し返している色彩のトーン」が、

どのように互いに損なうことなく支え合っているか、

という「関係性の調和」に注目してみてください。

そのとき、あなたの感じる

「あぁ、この色と線のバランス、なんだかしっくりくるな」や

「これ以外にはあり得ない場所に、すべてが収まっているな」という、

静かで、でも心の底から満たされるような「感覚の充実」。

これこそが、絵画鑑賞に必要な「美的感覚」のなせるわざなんです。


この「美的感覚」は、決して特別な才能に基づくものじゃないんです。

あなたが日々の生活の中で、

「このソファの位置、なんだかしっくりくるな」

と家具の配置を決めたり、

「このネクタイとジャケットの組み合わせ、ピッタリだな」

と調和を感じたりしている、あの日常の感覚と全く同じ種類のものなんです。

あなたの中にすでに備わっているこの「しっくり感を見つける感覚」を、

そのまま絵画鑑賞に応用することができるんです。


ポイントは、この感覚を、絵画鑑賞モードに切り替えることです。

それには、画家の物の見方のクセを知るのが早道です。

これに関しては、

で解説しています。

興味のある方は、そちらも読んでみてくださいね。



さて、あなたの自由な絵画鑑賞を拒む「3つの罠」の正体は、

すべて暴かれました。

あなたがこれまで美術館で感じていたもどかしさは、

知識不足でもなければ、才能不足でもなかったんです。

3つの罠に気づかなかっただけなんです。

気づいた以上、避ければいいだけです。

罠の存在を知るだけでも効果はありますが、

やっぱり,この知識を絵画鑑賞にどうつなげていけばいいか、

気になるところですよね。

そこで次章では、あなたが本来持っている美的感覚を、

絵画鑑賞用に鍛え上げる、スリーステップトレーニングを提供しますね。



STEP１．
まずは、「脳のラベリング」の罠と「正しさと意味」の罠に陥らないための、

「視覚の初期化（名前の廃棄）」トレーニング


STEP２．
「感情と美的感覚の混同」の罠に陥らないためには、

まず、美的感覚を呼び覚ます必要があります。

そのための、

「必然的デフォルメの判定」トレーニング


STEP３．
美的感覚に自信が持てるようになるための、

「画像データのインストール」トレーニング



３つとも、誰でもすぐにゲーム感覚で始められて、

効果は、やった回数に比例するってわけです。

第３章：🖌️３つの罠に陥らないための、スリーステップトーニング

ここで紹介するトレーニング方法は、

簡単であること、

効果があること、

を重視して選んだものです。

何冊もの美術解説書を読んだり、

美術史を詳しく勉強しても、

肝心の絵画鑑賞に必要な「美的感覚」が磨かれることはありませんよね。

知識の習得は大事ですが、優先順位は高くありませんよ。

真っ先にやるべきことは、

視覚を初期化し、

あなたが本来持っている「美的感覚」を呼び覚まし、

その「美的感覚」に自信が持てるようになることです。


そのために、３つのSTEPを用意しました。

すぐに実践できるので、まずは、やってみてくださいね！

STEP 1：「視覚の初期化」トレーニング（名前の廃棄）

脳の「自動シャッター」をこじ開ける
最初のステップは、我々の脳がエネルギーを節約するために、

毎秒のように繰り返している「自動ラベリング機能」を、

力技で強制停止させることです。

やり方は、驚くほどシンプルです。

ただそれだけです。

たとえば、絵に描かれた「木」が目に入ったとします。

その瞬間、脳が「あ、木だな」と反応するより早く、

色とその状態に意識を向けるんです。

例えば、

「茶色の力強い垂直の勢いと、

その周囲でせめぎ合っている緑色の塊」

が観える、といった感じです。


あるいは、絵に描かれた「人物の顔」に対しては、

脳が「あっ、人の顔だな」と反応するより早く、

「光を反射して前に飛び出してくる、

薄ピンク色の色面と、

その色面と拮抗している横の深い青」

が観える。

こんなふうに、「これは木」「これは顔」と脳が反応するより早く、

「線、色、形そのものの状態」

に真っ先に意識を向けるんです。


これが「視覚の初期化」のすべてです。


拍子抜けするほど簡単でしょ。

無理に言葉にしなくてもいいんです。

状態に注目するという意識が大事なんです。

慣れてきたら、周りの他の色との関係にも注意を向けると完璧ですね。


でもひとつ注意点があるんです。

線、色、形の状態に意味を見出すことだけは禁止です。

「名前」と「意味」に意識が向くと、

視覚の初期化は失敗です。

これだけは注意してください。



💡 なぜ、これだけで「効果」があるのか？（科学的・心理学的根拠）
「線、色、形の状態に意識を向けるだけで、本当に絵の見方が変わるのか？」

って思うかもしれないですね。

でも、これには我々の脳の知覚システムに基づいた、

極めて強力な根拠があるんです。

人間の脳は、網膜に入ってくる膨大な情報のごく一部しか実際には処理していません。

超省エネモードの認知フィルターが働くからです。

しかも脳は、すでに頭の中にある既知の情報（木、顔などに関する）と、

目の前の視覚情報が一致したと判断した瞬間、

「この対象の情報処理はもう完了した」とみなし、

視覚野の活動を大幅に低下させてしまいます。

つまり、対象をラベリングした瞬間に、

脳は自動的に「観察モード」を終了させてしまうんです。

この状態で絵画を観続けても、

我々が観ているのは、名前、意味、感情といった、

絵画芸術とは関係のないものだけになり、

画家が画面上に残した感覚情報をそっくり見損なうことになるんです。

ところが、脳がラベリングする機会をタイミングよく奪うと、

脳は「あれ？ 何だ？ ちゃんと観察しなきゃ処理できないぞ！」と大慌てし、

本気の観察モードを起動させざるを得なくなるわけです。


名前を廃棄することで、あなたの眼は、

「言葉の確認作業」から解放され、

「純粋な視覚」を取り戻せるんです。

そして、ダ・ヴィンチが感じていたように、

図（主役）と地（脇役）を、

同じ重みを持つ「同格」の存在として感じられるようになると、

いよいよ「知覚の初期化」は完了です。

「脳のラベリング」の罠から抜け出して、

世界をまっさらな「状態」として捉え直す。

これが、「視覚の初期化」の目的です。

すると、画家が画面上に残した「感覚情報」に気づくようになりますよ。

あなたが本来持ってらっしゃる「審美眼」が、

「絵画鑑賞モード」に切替わったわけです。



🛠️ なぜ、今日から「手軽」に取り組めるのか？
このトレーニングの最大のメリットは、

「今この瞬間から、一円のお金もかけずにできる」

という圧倒的な手軽さにあるんです。

特別な知識は1ミリもいりません。

美術史の分厚い専門書をめくる必要もなければ、

難しい専門用語を覚える必要もありません。

ただ「名前を忘れて、色と線の状態に意識を向ける」だけです。

美術館に行かなくても、あなたの部屋で今すぐ練習できますよ。

あなたの目の前にある何の変哲もない日用品、

通勤電車の窓から見えるビル、

カフェのテーブルの上のコーヒーカップ、

大切な人の横顔、

世界中のあらゆる場所が、

「審美眼のトレーニングジム」に変わるんです。



次のSTEP２では、いよいよあなたの「美的感覚」を呼び覚ましましょう。

具体的には、画家が画面上に残した「感覚情報」に違和感を感じた時の対処方法です。

これを繰り返すことで、あなたの「美的感覚」は、確実にレベルアップしますよ!

STEP 2：「必然的デフォルメの判定」トレーニング

画家が仕掛けた「必然的デフォルメ」を見破る方法
STEP 1の「名前(ラベル)」を忘れるコツ、掴めてききましたか？ 

目の前にあるものが「木」や「顔」ではなく、

「色」や「線」そのものとして見え始めたら、

あなたの視覚はすでに大きな革命を起こしてますよ。

でも、次にこんな疑問が湧いてきませんか？

ここで、先ほどマティスの「緑の筋のあるマティス夫人の肖像」を解説したときに披露した、次の方法が役に立つんです。

これです。

もう一度簡単に復習しますね。

これが観察されたら、

違和感がある部分は、

画家が、画面全体の対立関係を解消するために

描かざるを得なかった

必然的デフォルメだとわかります。

何も起こらなければ、その絵画は、

そもそも、「対立関係の解消」を目指していない絵画だとわかります。



💡 なぜ、これだけで「効果」があるのか？（科学的・心理学的根拠）
「鉛筆で隠すだけで、どうして必然的デフォルメだってわかるんだ？」って

思うでしょうね。

でもこれには、あなたの「美的感覚」とも関係する

明確な根拠があるんです。

簡単に言っちゃうと、

あなた自身がすでに「美的感覚」を持っているので、

それが崩れたときにすぐに感知できるんです。


実は、優れた芸術作品というものは例外なく、

「対立する造形要素（線・色・形）どうしが、互いに損なうことなく支え合っている」という、

「調和の構造」を持っているんです。

これまで何度も繰り返してきた「対立関係の解消」のことです。


レンブラントの版画に描かれた何気ない一本の線も、

アングルの『オダリスク』の不自然に長い背中も、

すべては画面全体の対立関係を解消するための、

つまり、全体のバランスを保つための、

「必然的デフォルメ」として機能しているんです。


あなたの美的感覚は本来、

「必然的デフォルメ」のおかげで成り立っている対立関係の解消を見つけると、

「感覚の充実」を感じるようになってるんです。

(程度の差はあるかもしれないですけどね)

簡単に言っちゃうと、

「なんかしっくりくる」

って感じるってことです。

この感覚ってほとんどの方が、

日常生活で感じた経験があるんじゃないでしょうか。

これが、「美的感覚」の正体です。

この感覚に基づいて、美を見極める力が、

「審美眼」です。

だから、あなたが画面上で違和感を感じた部分を、

鉛筆で強制的に遮断すると、

もしもそれが、対立関係を解消するための「必然的デフォルメ」なら、

あなたの「美的感覚」が、

画面の調和が一瞬で崩れるのを、検知するんです。

もしもそれを感じたなら、

その絵は芸術作品として評価できます。

逆に隠しても何も変わらない（あるいは隠した方がスッキリする）なら、

その絵のなかの線、色、形は、

対立関係を解消するためには使われていないので、

芸術としては評価できないことがわかるんです。


誤解のないように言っておきたいんですが、

芸術的には評価できなくても、

いい絵はいくらでもありますよ。

そもそも全ての画家が、芸術性を求めているわけじゃないですからね。

それはともかく、結局最後は、あなたの身体感覚（しっくり感）が、

その絵画の芸術性を見極めてくれるんです。



🛠️ なぜ、今日から「手軽」に取り組めるのか？
何と言っても「スマホと鉛筆一本があれば、どこででもできる」からです。

しかもこの方法で、芸術性を評価できる「真理追求型絵画」とそれ以外の絵画を見分けられるようにもなるんです。



「この絵は数億円するらしい」とか「有名美術展の目玉作品らしい」といった、

あなたを「正しさと意味」の罠にかけて、

自由な鑑賞を邪魔しようとする情報をすべて脇に置いて、

「ここを隠したら、この絵は壊れるだろうか？」

という視覚ゲームとして純粋に楽しんでください。

美術館に行く体力がない日でも実践できますよ。

名画の図版をスマホで検索して、

気になる「歪んだ形」や「不自然な色」を見つけたら、

画面の上に鉛筆をそっと重ねてみるだけ。


巨匠たちが仕掛けた「必然的デフォルメ」のパズルを解いて、

彼らがどうやって対立関係を解消したかを、

追体験しちゃいましょう。



ここまでで、「脳のラベリング」の罠と「正しさと意味」の罠に陥らないために、

「視覚の初期化」トレーニング(STEP１）を実践し、


「感情と美的感覚の混同」の罠に陥らないために、

まずは美的感覚を呼び覚ますための、

「必然的デフォルメの判定」トレーニング(STEP２)を

実践してきました。


もうすでにあなたは、解説パネルの知識をただ受け入れるだけの退屈な鑑賞者ではないはずです。

でも、最後に一つだけ、避けては通れない「壁」があるんです。

それは、あなたが本来持っている「美的感覚」に、

自信が持てるようになるためのトレーニングです。



美的感覚は、特別な才能じゃない 
「美的感覚」は、誰もが持っている普通の「感覚」です。

絵を観るときは、この「感覚」を絵画鑑賞モードに切り替えればいいだけなんです。

それには、
STEP１
「視覚の初期化」トレーニング

STEP２
「必然的デフォルメの判定」トレーニング

が必要です。


そして更にもう１つ、

これは泥臭い方法なんですが、

地味に効果があるので、

やっぱり避けては通れないんです。

名付けて、「画像データのインプット」トレーニング

です。

これを積み重ねると、

自分の「美的感覚」に自信が持てるようになり、

初めて観る絵画の前でも、

堂々と自分の感性でその真価を見極められるようになりますよ。

STEP 3：「画像データのインプット」トレーニング

脳に「美のビッグデータ」をインプットする
STEP 1とSTEP２のトレーニングだけでも、

あなたの眼は、すでに驚くほど能動的に働き始めているはずです。。

でも最後に、こんな不安が、

あなたの心に残っているんじゃないですか？

そんなあなたのために、最後のステップを用意しました。

あなたが本来持っている「美的感覚」に自信が持てるようになるためのトレーニングです。

やり方は、これも本当に簡単です。

これだけで、あなたの脳内OSが変化し始めますよ。



💡 なぜ、これだけで「効果」があるのか？（科学的・心理学的根拠）
「100枚以上の画像をただ仕分けるだけで、本当に美的感覚に自信が持てるようになるのか？」

こう思われたかもしれません。

でも、この方法には人間の認知システムに裏付けられた、明確な根拠があるんです。

あなたが自分の美的感覚に自信が持てない本当の原因は、あなたにセンスがないからじゃないですよ。

脳の中に比較対象となるデータが、

まだインプットされていないことが、

一番の原因です。

つまり単なる経験不足が原因です。

認知システムのパフォーマンスを上げるには、

適切な経験が不可欠ですからね。


美的感覚の経験不足の場合、

それを補う近道はただ１つ、

画像データの大量インプットです。

まずは質より量です。


100枚以上の画像を感覚的に分けていくと、

脳は「主題（何が描かれているか）」よりも、

造形要素(線、色、形)に意識が向き、

「調和のパターン」を自動で検出し始めるんです。


大量の画像データが脳内に蓄積されると、初めて観る作品を前にしたときでも、

「あっ、これは、あの作品の調和の取り方と同じだな」と、

造形要素(線、色、形)の使い方を分類できるようになりますよ。

これってつまり、「様式」を見分ける眼が、

いつの間にか身についたってことです。

ここまで来たらもう、自分の「美的感覚」に自信が持てないなんて言えないはずです。



🛠️ なぜ、今日から「手軽」に取り組めるのか
このトレーニングが優れているのは、「暗記や勉強が、1ミリもいらない」という点にあります。

美術の教科書を何時間も読む必要はゼロ。

「何年に誰が描いて、どんな歴史的事件があって……」といった、眠くなるような美術史の暗記勉強をする必要も一切ありません。

ただ画像を集めて、カードゲームのように直感的に仕分けるだけですからね。

スマホさえあれば、どこででもできます。

わざわざ高価な画集を買わなくても、

スマホの画面上で画像をスクロールしながら

「これ、好き」「これはちょっと違うな」と仕分けるだけでいいんです。

通勤中の10分や、ベッドに入る前のちょっとした時間で、驚くほど手軽にあなたの脳に「美のデータベース」を構築できるんです。

あなたの「眼」が、世界の新しい見方を発見するとき

ここまで３つの罠と、それに陥らないための３つのトレーニングを実践してきました。

もう一度整理しますね。


「脳のラベリング」の罠と「正しさと意味」の罠に陥らないためには、「視覚の初期化」トレーニングをおすすめします。

「感情と美的感覚の混同」の罠に陥らないためには、

まず、美的感覚を呼び覚ます必要があります。

そのためには、「必然的デフォルメの判定」トレーニングをおすすめします。

自分の美的感覚に自信が持てるようになるためには、

「画像データのインプット」トレーニングをおすすめします。


これでもうあなたは、解説パネルを読まなければ名画を評価できない、

かつての不自由な鑑賞者ではありません。

画家が画面に残した感覚情報を捉え、

感覚の充実(しっくり感)を体験し、

心の安定を手に入れるのです



今回紹介したトレーニングを続けたあなたは、

次回、美術館へ行ったとき、

これまで、どれほど多くの感覚情報を見逃していたかを知ることになりますよ。



最後までお付き合いくださり、ありがとうございます！