Welcome to peepingMonster. Ruben Verdu artworks, news, and writings

February, 18, 2016

La lliçó de Diògenes

L'exposició a càrrec del comissari Alex Mitrani reuneix més de seixanta obres, moltes d'elles inèdites, subtils i sorprenents, d'artistes de generacions i perfils molt diferents sota un nexe comú: les idees del filòsof grec Diògenes, que avui cobren una especial actualitat i pertinènça. Rebutjant falsos honors i riqueses, Diògenes preconitzava el despullament i manifestava de manera desacomplexada els excessos i vicis de la societat. L’art és també un camí per retrobar uns valors morals i fer una reflexió sobre l’home. Aquesta exposició vol incidir en una constant transgeneracional d’artistes catalans contemporanis que treballen des de la senzillesa per arribar a l’essència de l’acte creatiu com un camí per entendre el món i posar en evidència la vanitat del consum i de la cultura de l’espectacle.

Artistes: Ignasi Aballí / Mar Arza /Joan Bennassar / David Bestué / Alfons Borrell / Luz Broto / Patrícia Dauder / Joan Furriols / Antoni Llena / Jordi Mitjà / Marc Monzó / Jordi Pablo / Guillermo Pfaff / Lucía C. Pino / Jaume Pitarch / Ivo Sans / Daniel Steegmann / Víctor Sunyol / Rubèn Verdú / Oriol Vilapuig.

February, 6, 2016

The Enemy Within

Muy contento también de formar parte de la muestra "The Enemy Within" en Área: lugar de proyectos de Caguas, Puerto Rico.

"The Enemy Within" es un proyecto que muestra la obra de artistas internacionales que trabajan en diversos medios, incluyendo la pintura, obra sobre papel, escultura, fotografía, vídeo e instalación. "The Enemy Within" explora la naturaleza paradójica y contradictoria de eventos historicos y políticos y cómo se mantienen interna y externamente en conflicto perpetuo.

February, 1, 2016

#makeamericagreatagain

I am very happy to be participating in #makeamericagreatagain at the Whitebox Gallery in New York. #makeamericagreatagain is a group exhibition of diverse media that will run during February and coincide with the initial Democratic and Republican primaries. The exhibition’s title is culled verbatim from Donald Trump’s campaign slogan. Appropriation does not stop there, however, for #makeamericagreatagain thematically rubs up against the demagoguery prevalent in the current American social and political landscape and rhetoric espoused by primary candidates to engender fear in the American public.

The appropriated hashtag also serves as curatorial device to further expand the exhibition into social media. The exhibition-viewing public and those not physically present to see the show, will be asked to upload images or texts with the hashtag of #makamericagreatgain onto Twitter, Instagram or Facebook. These contributions will become part of the exhibition and will be interventions into existing social media sites with the same hashtag.

Curated by Raul Zamudio and Juan Puntes / Co-curated by Blanca de la Torre

December, 25, 2015

Best Wishes to All

December, 14, 2015

More Elements to be Considered when Analysing Images Produced in an Anti-Backlit Setup

Everything that faces the camera is lighted up. The production of shadows resulting from this setup is very particular and tends to emphasize outlines which cut out figures from their background with thin dark lines. It has been argued before that it tends to flatten results and emphasize conventions like the edge contours that define objects in schematic outputs.

Another result is that light, all of a sudden, takes a clearly subjective role, that of the viewer. In an anti-backlit setup, the viewer could be potentially confused with the light source since it seems to take its place in the arrangement of the optical elements that construct these types of scenes. In any down-to-earth situation —especially if we compare it with images taken by the Deep Space Climate Observatory (DSCOVR) satellite—, visual logic will always force the viewer shadow on the subject. Here, this is clearly not the case.

An example of flash shadows clarly showing the thin dark contours produced by this lighting setup

The whole setup is perfectly orthogonal. Everything is in a line. The vector of sight and that of light are, de facto, overlapped. We began to have evidence of this type of optical construction only when “technical images”, as described by Vilém Flusser, started being produced at the advent of photography, to be more specific, only when the first pyrotechnic flash was developed and its users end up, for practical reasons, holding it closer and closer to the lenses. Images with this type of lighting became, therefore, a sure mark of modernity, of a different type of episteme that seems to be best represented by the surveillance and monitoring nature of the DSCOVR pictures of Earth.

Image of Earth and Moon taken by de DSCOVR satellite where everything is perfectly lined up

December, 10, 2015

Interesting visual possibilities at Lagrange Point 1

We must begin by pointing out that, in order to clearly illustrate the idea, the proportions of the picture above are distorted. 149.6 million kilometers separate the Earth from the Sun. L1 is at about 1.6 million kilometers from the surface of our planet at approximately four times the distance between the Earth and the Moon, so L1 and L2 are much more close to Earth than pictured in the illustration and L3, L4 and L5 are, therefore, much further away. The relevant concept to grasp is that somewhere between the Earth and the Sun there is a point in which their gravitational pull cancel out. That point is a perfect place to stabilize a surveillance device that moves anchored to the orbit of the Earth. She moves the device along with her keeping it always at gravitational neutral point in relation to the Sun.

If this device focuses its lenses on our planet, it creates an interesting point of observation in which light arrives perfectly aligned from the back and projects, because of the distance and minuscule size of the device, no observable shadow on the subject it illuminates, Earth in this case. NASA has placed a surveillance device in L1, the Deep Space Climate Observatory (DSCOVR) satellite. Its pictures of Earth clearly demonstrate the characteristic element of such images, they produce little amounts of shadows and send us, therefore, perfectly lighted full disc images of our planet.

To see the most recent images of Earth from L1 click here.

December, 6, 2015

Henri Focillon, Éloge de la main

While researching some questions related to The Armed. The Gravity of Writing, I've stumbled upon this short text by Focillon. I've translated a small part of it hoping to use it in an essay that I'm currently beginning to write. Voilà! Here it is…

"La possession du monde exige une sorte de flair tactile. La vue glisse le long de l‘univers. La main sait que l‘objet est habité par le poids, qu‘il est lisse ou rugueux, qu‘il n‘est pas soudé au fond de ciel ou de terre avec lequel il semble faire corps. L‘action de la main définit le creux de l‘espace et le plein des choses qui l‘occupent. Surface, volume, densité, pesanteur ne sont pas des phénomènes optiques. C‘est entre les doigts, c‘est au creux des paumes que l‘homme les connut d‘abord. L‘espace, il le mesure, non du regard, mais de sa main et de son pas. Le toucher emplit la nature de forces mystérieuses. Sans lui elle restait pareille aux délicieux paysages de la chambre noire, légers, plats et chimériques."

"The possession of the world demands a kind of tactile acumen. Sight glides across the universe. The hand knows that objects are inhabited by weight, that some are smooth and some rough, that they are not welded to the sky or ground onto which they seem attached. The action of the hand defines the emptiness of space and the plenitude of the things that occupy it. Surface, volume, density and gravity are not optical phenomena. Since the very beginning, this is how man has apprehended these objects, between his fingers, in the depth of his palms. He measures space not at a glance but with his hands and steps. Touch imbues nature with mysterious forces. Without it, she looks like the delightful landscapes of the darkroom, flimsy, flat and chimerical."

November, 5, 2015

Algunas refexiones sobre Frames Rocío de Federico García Trujillo

En julio de 1980, se estrena en el cine Bellas Artes de San Sebastián Rocío de Fernando Ruiz Vergara, un documental que registra la famosa romería del Rocío desde una dimensión antropológica de la que aflora, a su vez, un fondo socio-político que corresponde al de un país en un momento de transformación histórica. La crítica y el público enseguida reconoce la calidad y el valor artístico de la obra que rápidamente empieza a recibir premios y elogios. Se hace primero con el premio al mejor largometraje del I Festival de Cine Internacional de Sevilla, y seguidamente es seleccionada por el Ministerio de Cultura, junto con Ópera prima de Fernando Trueba, para representar a España en el Festival de Cine de Venecia. A esas primeras reacciones le siguen, sin embargo, una serie de sucesos que demuestran la acción encubierta de ciertos sectores de poder fáctico heredero del régimen en una España que parecía no estar decidida a hacer sus transiciones. El anuncio del Ministerio de Cultura se quedó solo en eso, en un titular, y el 23 de febrero de 1981 (sí, el mismo día del golpe de estado) la familia de José María Reales Carrasco presenta una querella por injurias graves y escarnio a la religión católica. El juez ordena finalmente el secuestro de todas las copias de Rocío pasando así a ser la primera película censurada en democracia.

La carga sintomática del material en cuestión evidencia todavía más el silencio continuo que la pretendida democracia española ha tenido y tiene que soportar para acallar el afán de justicia que clama en términos de memoria histórica. Si el olvido impuesto por las fuerzas del tardofranquismo español no solo queda plasmado en el dictamen judicial, sentenciando que «la vivencia de la guerra civil española es tan fuerte que impide considerar los hechos ocurridos en la misma como pertenecientes a la historia», lo más obtuso es que esa opinión se consagre en el presente porque la validez legal de la sentencia continua hoy y acabaría siendo ratificada por el Tribunal Supremo. Así pues, el argumento judicial sostiene que para que haya historia primero debe darse el olvido. Esa es la lógica a la que Federico García Trujillo ha estado siempre enfrentándose y que ha meticulosamente diseccionando en Frames Rocío.

El olvido es una segunda muerte. Lo interesante del episodio, lo realmente paradójico y espeluznante, es que la censura se aplica a un material que fue previamente censurado por el propio director y su equipo de posproducción y así aparece, sorprendentemente y sin tapujos, en la versión original del documental. Hay un momento en el que la atención se dirige a como se produce el intercambio simbólico de permitir el provisional caos de las masas enaltecidas por el fervor a la figura de la virgen a cambio de una tácita obediencia el resto del año a las jerarquías y a las estructuras de explotación social que existen en la región desde hace siglos. Esa tensión se pone sobretodo de manifiesto en el momento en el que Pedro Gómez Clavijo, un viejo vecino de Almonte, lugar donde se celebra la romería, narra como ocurrieron ciertos crímenes fascistas durante la guerra civil y señala a José María Reales Carrasco, prominente terrateniente y fundador de la Hermandad de la Virgen del Rocío de Jerez, como autor de los hechos. Cuando pronuncia su nombre el director decide aplicar un corte de sonido mientras aparece en pantalla una fotografía del acusado con una franja negra sobre su rostro, protegiendo así su identidad. Todo el mundo sabe, sin embargo, quienes fueron esos verdugos. Eso no se olvida.

Sí, el olvido es una segunda muerte y cuando se impone por la fuerza deberíamos considerarlo un asesinato. Al toparse con ese corpus delicti, Federico García Trujillo se apresura a reanimarlo. Sabe que devolverle la vida a esas memorias es siempre un proceso frankensteiniano, un proceso implícito en la estructura cinematográfica, que no es otro que un suturar pedazos para que se nos vuelvan a presentar las cosas como si estuvieran vivas, una y otra vez, con la misma insistencia de lo que no se olvida nunca. Para García Trujillo, la reanimación de esos dos minutos de material censurado conlleva una labor manual de primer orden, no solo como intento de eludir la vigencia de la sentencia judicial que prohíbe presentar el material censurado en público, sino también como estrategia de resistencia al espectáculo y a la banalización derivada del acceso fácil al consumo. Hay cosas de la memoria que no pueden convertirse en simple y grosera moneda de cambio, en ese mercantilismo político del “si olvidáis tendréis democracia”.

August, 14, 2015

The Armed. Eye-Hand Coordination

The main feature of The Armed is to enhance, at different levels, the replication of the eye-hand coordination habilities that set the stage to the epistemological conquest of the world. A way to picture the notion of the "gravity of writing" is, no doubt, one that emphasizes the importance of the human adquisition of an erect posture. The first thing, if anything, that that precarious and defying act turns on is the freeing of our eyes and hands, a pairing development aimed to share a destiny of radical consequences. We should try here not only to agree with the widespread notions that anthropologists convey to us; it should also be remembered that Freud makes explicit mention of this event as one that shapes all future psychological mechanisms of the Homo species, especially those related to the pathological nature of acculturation.

July, 27, 2015

The Armed Progress

July, 8, 2015

The Armed Proposal

July, 2, 2015

A Collaboration with José Antonio Arcediano

I'm very excited to start a new project in collaboration with the poet José Antonio Arcediano. The intended motivation for such appointment is that of exploring a production combining both poetry and sculpture, a seemingly innocent proposition.

Right from the start, we've tried to argue for a certain notion of origins. Here, the object oriented concept of sculpture is clearly closer to the category of image than that of tool. Human production has been mostly considered in those two terms, the semiotic and the instrumental, even though most objects of human production combine both aspects in them. In our conversations, therefore, we've found our practices fitting Flusser's lineage of human epistemological milestones, except that we consider poetry a kind of regression into an iconographic stage. Its lineal development is more concerned with the production of a magical collapse of categories typical of images than to the concatenation of cause-and-effect operations that characterize conceptual thinking. Our poetics will explore that borderline space where differences between image and writing are more blurred and difficult to be seen.

June, 17, 2015

El fulgor

Cuando se precipita el accidente, cuando cae por los derrubios de un nuevo horizonte, no solo se confirma la naturaleza transitoria del momento, sino que se hace de forma significativa, se hace generando la certeza de un reconocimiento. El efecto traumático del accidente solo sirve para cristalizar la impronta de ese reconocimiento.

Aunque sigamos con los ojos bien abiertos, aunque sigamos dirigiendo la mirada lejos, tan lejos que nunca nos podremos acercar a constatar la naturaleza, los detalles, la autoridad de lo que vemos, nada será ya suficiente. Seguiremos dándole vueltas a un envoltorio anunciante, seguiremos instalados en lo previo, inmersos en un entorno de sugerencias, de aperitivos, sin poder satisfacer, en lo mínimo, nuestra hambre epistemológica.

Admitámoslo: no solo de luces vive el ser humano. Nuestros ojos no se nutren de pequeños destellos en la lejanía. Se nutren de otro fulgor, de un fulgor intenso, tan intenso como depredador, tan intenso que a él no se le puede dirigir la mirada. Con hacerlo, se acaba todo.

También el ojo tuvo su primer día, un día accidentado, desde luego. ¿Te has preguntado nunca, si antes de ese día, existía nada de esto? Al final, admitámoslo también, solo es él quien nos empuja hacia afuera, solo es él quien nos anima a salirnos del entorpecimiento matérico que nos confina a este rincón del universo.

May, 28, 2015

Algunas refexiones sobre Realismo de David Bestué

El cálculo siempre ha sido el fundamento de la ingeniería. Con él, se trata de dar respuesta a una necesidad básica: asegurar la permanencia en el tiempo de todas esas estructuras que se ensamblan, alzan o desplazan y que desafían la conclusión irremediable de la segunda ley de la termodinámica, esa que lo simplifica todo hasta la nada absoluta. Construir y mantener estables esas complejidades siempre conlleva un gran esfuerzo porque, normalmente, se tiende a obedecer ese colapso entrópico. Ésta debería ser la esencia última, el estado final de las cosas ¿verdad? Después del Big Bang, deberíamos hablar entonces del Perpetuo Desgaste. Pues no, esas cosas que nos llaman la atención, mientras lo siguen siendo, mientras perduran, configuran la experiencia de lo real, presumen de insistencia y de ahí que sintamos que lo real pertenece a la categoría de lo obstinado.

Para empezar esta edición de BCN Producció’15, David Bestué nos invita a explorar un conjunto de obras que el artista reúne bajo el título Realismo. «Realismo» es un término duro, intransigente. En España, desde principios del siglo XIX, se estudia en la Escuela de Ingenieros de Caminos, Canales y Puertos que tiene su sede a pocos metros del Palacio de la Moncloa y donde se imparten estudios que combinan los rigores del cálculo con el de las ciencias empresariales. No es de extrañar que esa combinación, en una profesión casi exclusivamente ejercida por hombres y que ha convertido a tantos de ellos en los más ricos e influyentes del país, haya dado tanto de sí entre las jerarquías del poder político y haya marcado tanto el rumbo histórico de la nación. Pues a ese realismo intransigente, a esa mercancía de compra y venta exclusiva, llevada a cabo en los despachos ministeriales, en consejerías y en los palcos presidenciales de algún equipo de futbol, se le ha añadido, en las últimas décadas, un elemento de libertad inesperada: la computarización de los sistemas de cálculo y la tecnificación de la construcción. Bajo esa nueva circunstancia, empezó a desprenderse del encorsetamiento de prácticas anteriores y a adoptar cierto aire de frivolidad formal que se adaptaría perfectamente a la necesidad de una simbología que ansiaba mostrar, según dicen, el progreso del país, pero que, en muchos casos, acabó mostrando la grandilocuencia fanfarrona con la que se pagó la osadía de ciertos proyectos. Y así, sin que esa práctica desinhibida de la ingeniería lo meditara mucho, se invocó la escultura como referente formal de ese experimento y Bestué, sorprendido por las discrepancias de esa comparación, empezó a preguntarse evidentemente si no deberíamos, desde la perspectiva crítica del arte, analizar este repentino interés.

Aunque, como dice él mismo dice, Realismo apunta a que, en las obras expuestas, «el peso, equilibrio o gravedad no se representan, [sino que] SON» y que debemos tomar buena nota de ello, esta inevitabilidad da paso también a un universo donde aparecen mezcladas una serie de alusiones a diversos mundos extratécnicos y de cálculo sumamente escurridizo. Tarde o temprano, nos veremos interpelados a tomar varias líneas de fuga: la arqueología, el paroxismo especulativo de la historia y la construcción de nación que se asocia a ella; la medida corporal del espacio, o la experiencia que se deriva de sobrepasar esa escala humana; las consecuencias de la imposición de estándares y la eliminación de desviaciones locales; la condición de ruina que conllevan las arquitecturas deshabitadas del extrarradio; la explotación literaria de ese imaginario entrópico que caracteriza la morfología geológica de este país; que, entre otras, nos ayudarán a discernir el valor de la épica postindustrial que nos rodea.

December, 28, 2014

Punch Tweety! One of those rubber bracelets

November, 29, 2014

*SEKW- en Cyan Gallery, Barcelona

Para exponer el marco conceptual de la muestra, Alex Brahim, su comisario, ha elaborado un texto que me gustaría reproducir a continuación y que refleja la compleja polisemia de las distintas propuestas y su capacidad de incidir en el debate del nacionalismo.

INTRODUCCIÓN
*sekw- surge como respuesta coyuntural a la idea generalizada de que los agentes del arte y la cultura tienen un nulo pronunciamiento en el debate sobre la posición de Cataluña frente al Estado español. Pese al monopolio del tema en la esfera pública por parte de políticos y medios de comunicación, sí que existe una genealogía reciente de trabajos que desde el arte contemporáneo catalán, sobre todo emergente, han aportado señalamientos, reflexiones, discursos y acciones inspirados en la construcción de lo catalán y lo español.

*sekw- repasa unos cuantos de ellos, a partir de una constelación verbal que es la cartografía de un sustrato compartido: una raíz común al castellano y el catalán, fuente etimológica de múltiples vocablos que designan dinámicas de organización social, fórmulas y estructuras de relación y estamentos de representación visual.

*sekw-, antes que tomar partido o privilegiar cualquier posición o discurso, se plantea como un relato  coral y polifónico, en consonancia con la imposibilidad real de una voz unívoca o totalizante a la hora de concebir las identidades territoriales. Una pluralidad que trasciende la delimitación del cuerpo social a la medida de unos intereses políticos desacreditados como representatividad del conjunto de la ciudadanía, como garantes de su bienestar.  Un diálogo de múltiples posiciones que incide en el territorio físico y simbólico, precisamente, como espacio para el arraigo desde la construcción colectiva en la diferencia, cuestionando al final el modelo mismo de estado-nación como ente esencial y a sus representaciones como régimen identitario.

Habitamos una zona de fricción histórica que trasciende nuestros límites geopolíticos inmediatos, acompañada del exterminio de una estructura solidaria comprometida con una equidad social razonable. Un escenario de incertidumbre perfecto para la desconfianza y la manipulación del sentir ciudadano, para dibujar torres de babel, profetizar holocaustos, proferir amenazas o erigir sofismas de distracción. Confundir, dividir, enfrentar… ¿Cuál es la lucha que nos corresponde? ¿Dónde y cómo sucede lo real, con sus matices, más allá de la intencionalidad direccionada de los relatos en blanco o negro? Probablemente es ese el lugar donde el arte cobre más sentido, en la en la interpretación crítica de lo público, el cuestionamiento de sus jerarquías, en la puesta en circulación de herramientas para la redefinición misma del espacio que ocupa el valor.

*sekw- el recorrido
*sekw- toma como punto de partida la raíz indoeuropea homónima para articular un recorrido por obras y proyectos de artistas de Barcelona que en los últimos años han tocado la cuestión catalana o el asunto de lo español. La muestra navega, en clave visual, entre los casi cincuenta términos provenientes de este origen compartido, a través de un repertorio donde las fronteras entre lo auto y lo anti se diluyen al versar sobre Cataluña y España, sobre sus construcciones y modelos de representación.   

A manera de introducción lo evidente: la perversión de los símbolos nacionales desde la contaminación con la cultura popular en el vídeo Tothom estima a Catalunya (2012) de Ana García-Pineda, respuesta a un encargo de TV3 con motivo de la Diada, donde memorables escenas de películas de suspense y terror rinden irónico homenaje a la leyenda del origen de la senyera, en una clave autocrítica que la autora entiende como propia del carácter catalán, y en la Intervención sobre el escudo de armas del Estado español (2010-2014) de la Obra Social Son Goku, donde la simple sustitución de los signos históricos por los del videojuego Super Mario empobrece una autoridad institucional que ahora aparece juguetona, como un chiste acerca de sus propias aspiraciones.

La carga iconográfica continúa, ahora desde la expresión de la colectividad: en el proyecto Més que un club (2011) de Antoni Hervás, a través del dibujo y el vídeo, la ficción y la afición se funden con las creencias y la tradición; el Barça, Montserrat y el santo grial dan rienda suelta a una historia simbólica y romántica de Cataluña a partir de sus propios mitos. Aún en clave pop, salpicado de humor y desde su dialéctica meta-artística, Narcís Díaz Pujol revisa la senyera y sugiere la posibilidad de la bandera española como un close-up de ésta en las pinturas Lucy McKenzie apareciendo en una bandera catalana y Zoom de Lucy McKenzie apareciendo en una bandera catalana (2013).

El soporte editorial, con amplia tradición en las prácticas artísticas contemporáneas catalanas, da cuerpo a los fanzines La Catalunya Triomfant (2012) de Efrén Álvarez y Antonio Gagliano, un ácido e incendiario viaje hacia el centro de los poderes catalanes, dirigido a unos presuntos turistas de un país lejano cuyo desarrollo no se basa en la cultura del capital, y La línea sin fin (2013-2014) de Andrea Valdés y David Bestué, un recorrido en seis entregas que relee con perspicacia al acontecer de la historia catalana desde 1873 hasta 2030, haciéndola pendular entre la cáustico y lo poético.

También a través del editorial en su Quadern per a l’educació en el nacionalisme català (2011) Nano Orte propone una pedagogía nacionalista dirigida a la infancia, al límite entre la exaltación de la catalanidad y la crítica mordaz al discurso dominante y sus formas. Por su parte, en Hacer piña (2012) Mariokissme desarrolla una intervención pública en la que el yugo y las flechas y una serie de expresiones tomadas de una entrevista al Presidente de la Asociació d’Artistes Visuals de Catalunya sobre el nuevo centro de arte son impresos en tinta rascable, formando un póster doble para llevar que deja en manos del usuario la posibilidad de hacerles, o no, desaparecer.

En la performance Discurs a la joventut catalana (2011), cuya documentación gráfica se presenta, Juan David Galindo replicaba el discurso de Hitler a las juventudes nazis de 1934, cambiando las referencias a Alemania por Cataluña, una ficha de canje que podría funcionar igual con tantas otras nacionalidades y que acabó recibiendo el aplauso de los asistentes.

También una edición, Time Theft (2010) de Esther Planas, producto expandido del proyecto homónimo sobre el carácter cíclico de la historia, las historias ocultas de Barcelona y los vestigios de la guerra civil, da pie al archivo web que aquí se presenta: No Spain KV 5/38-13/A Spain No (2012-hoy), proyecto cuasi-inédito donde Planas centraliza diversos materiales relacionados con el análisis crítico de España como una mordaz construcción de orden ficticio. Mediante su habitual fuerza iconográfica, con el vídeo Made in Spain (2014) y el objeto textil Bufanda Made in Spain (2014) -producto expandido de una performance homónima- Ramón Guimaraes propone una mirada rotunda y en clave poética a una España negra cuyo futuro se debate entre el desvanecimiento y la horca.

Con el carácter incisivo, desenfadado y gamberro propio de su trabajo, en Catalunya Avui (2014), obra específica para esta exposición Victor Jaenada hace un manifiesto al desencanto que enfrenta un joven artista de la ciudad ante las estructuras democráticas, económicas e institucionales de la Cataluña del aquí y ahora, apelando además a temas polémicos y de candente actualidad como la consulta independentista del 9N. Por su parte en Freedom for Catalonia (2013-2014) de Quim Packard reaparece la iconografía del videojuego, concretamente Final Fantasy III, en dibujos de apariencia ingenua donde colapsan con más ironía que inocencia lo grandilocuente y la humildad, la épica libertaria y una deliberada economía de recursos.

Anunciando la ruptura de esta relación hasta aquí de dos y su solución de continuidad, encontramos tres piezas de audio del proyecto sonoro Voz Mal (2012) de Jaume Ferrete y de su deriva escénica. Polla rumana, Verdadera voz y Micrófono humano introducen la idea del cuerpo del sujeto como elemento del cuerpo social, dando paso a lo imposible de una identidad estable y absoluta; a otros que también están pero parecen no ser, como la población lgbtq o la migrante, y a la noción de voz colectiva.

Adentrándonos en las profundidades de estas fisuras en la relación dual encontramos la instalación Lo que nos une (2011) de R. Marcos Mota, un alegato acerca de la ruptura generacional respecto a cualquier aspiración nacional, así como a la vigente distancia de los terceros sexos frente al resto de mortales más allá de estos regímenes. A su vez el contundente vídeo Cc13 (2013) de Daniela Ortiz + Xose Quiroga recoge el pasado esclavista y monárquico de los centros de poder aún vigentes en la sociedad catalana, en franca confrontación con la ciudadanía durante la celebración de la Vía catalana, para acabar en un señalamiento a la nulidad de la población migrante ante cualquier asunto de orden nacional; dejando claro, además, que su análisis de este escenario no admite suspicacias o instrumentalización alguna en términos nacionalistas o totalitarios.

Atomizado el ciclo España-Cataluña la idea de estado-nación se repliega sobre sí misma, en un final que sugiere la vuelta al origen, a la raíz, al *sekw-, seguir… Para reencontrar la tierra y el territorio en el cuaderno pedagógico Construir el Lloc (2011), producto del proyecto ¡Cataluña termina aquí! ¡Aquí empieza Murcia! (2011) de Sitesize, que articula una serie de conocimientos y experiencias en torno a la auto-organización y los procesos de pedagogía emancipatoria como patrones de arraigo y sistemas de desarrollo desde la colectividad, apuntando a que el lugar lo construyen las personas y sus relaciones y no las delimitaciones políticas ni sus símbolos. Finalmente estos símbolos al completo se llenan de tierra en la iconoclasta instalación Mud Flag (2013) de Rubén Verdú, una bandera íntegramente cubierta de barro que los visitantes han de sortear en el espacio. Un punto de inflexión, la total negación de los símbolos como estandartes de una colectividad cohesionada. Un gesto de nihilismo allí donde el ciclo biológico -la tierra- vuelve a comenzar.



EPÍLOGO

Si bien *sekw- recala en una amplia selección de autores y trabajos, resulta pertinente comentar otras piezas y proyectos que por motivos espaciales, logísticos y propios de la narración planteada no forman parte de la exposición.

Una deriva importante la constituyen obras que se centran en el episodio específico del fin de la dictadura y el comienzo de la transición, momento sin duda crucial en la sucesión histórica que constituye el hoy de España. En History as a story (2009) Fran Meana disponía en un equilibrio de apariencia frágil cinco fotografías de archivo que parecerían formar una cruz; en la base la tumba de Franco y en la cima un Adolfo Suárez sudoroso, separados por imágenes tal vez más casuales que determinantes.

También recurren a la apropiación de archivo Carmen (2012), donde Lúa Coderch rescata la fotografía de Carmen Polo de Franco votando en el plebiscito de 1976, acompañada de una reflexión sobre las posibles derivas políticas que hubiese podido tomar España en aquel entonces, así como La sonrisa de la Reina (2012) de Miquel García, donde un reportaje sobre la coronación del Rey en un diario original de 1975 es intervenido rascando el papel hasta hacer desaparecer todas las caras, salvo el radiante y sonriente rostro de la Reina Sofía. Por su parte el proyecto procesual El mundo de los vencedores (2012-2014) de Ignasi Prat Altimira recurre a la investigación notarial para dar con las residencias de los máximos representantes del régimen franquista, para luego elaborar un elocuente documento fotográfico sobre estas arquitecturas y sus connotaciones ideológicas a partir de la estética de sus vistas exteriores.

Una mención especial merece la capacidad de Martí Ansón, autor con amplia trayectoria, para incidir en los rasgos culturales de la catalanidad mediante la esencialidad del cotidiano, las historias de vida y cierta ética de lo posible en los márgenes del arte, evidente en su instalación Pavelló Català. Arquitecte anònim (2013) que este 2014 acogió diversas actividades durante su itinerancia en la Fundació Sunyol de Barcelona. También de reconocida trayectoria, Luis Bisbe ha abordado mediante su habitual uso de la transliteración y la transferencia visual la temática de los símbolos y la identidad en España y Cataluña. Despañolización (2013), versión en negativo de la bandera española, o Translegitimation (2013), en la que conjuga la senyera con la bandera española y la bandera catalana con la de la España franquista, se suman a su actual instalación Actualidad rabiosa (2014), que puede visitarse en etHALL hasta el mes de diciembre.    

Igualmente, de forma reciente cabe destacar la instalación Plaça (2014) –actualmente en la exposición Nonument del MACBA- del artista, arquitecto e investigador literario Víctor Pimstein, en la que plantea la reconversión urbanística de la actual Plaza Cataluña y un amplio radio a su alrededor en la Plaça de la Lluita, acompañándola de un alegato histórico -no exento de ironía- que justifica lo consecuente de la propuesta.


Nota: Pueden indagarse voces del sector artístico en torno a la cuestión española-catalana en la edición Cómo explicar Cataluña a una liebre muerta del magazine de A*Desk, con intervenciones de Martí Perán, Martí Manen, Oriol Fontdevila, Josep Ma. Minguet, Peio Aguirre, Eloy Fernández Porta y Juan Canela, quien trazaba en Catalonia is Hot Spain una genealogía por este tipo de trabajos, vinculándolos a su propia reflexión sobre el asunto nacionalista.

November, 27, 2014

Algunas refexiones sobre Maze Walkthrough de Serafín Álvarez

En la ciencia ficción, las formas de pasaje y travesía son esenciales porque en la mayoría de los casos la tensión narrativa de ese género recae en alguna experiencia de alienación, éxodo o viaje. El imaginario popular concibe también la ciencia ficción como ejercicio de especulación con valor futurible y esta ambición a menudo nos impone una condición: el avance tecnológico. Al final, este avance se convierte, sin muchas objeciones al respecto, en el factor consubstancial de la ficción misma, de aquello que inevitablemente creemos que ocurrirá mañana. En la ciencia ficción, esa sensación queda principalmente reflejada en la extrema evolución tecnológica que muestran los medios de transporte y que, en clara desincronización con otros aspectos de la trama, transcienden las limitaciones físicas de nuestro mundo y nuestra dependencia orgánica de él. En esa nave, somos capaces de llegar a cualquier parte. Una vez llegados, ya nos someteremos al extrañamiento de rigor, a lo típico de ese género cinematográfico. Solo entonces, se nos hará evidente la importancia del viaje, de cómo hemos llegado hasta ahí, de ese momento parentético que se lleva a cabo a toda pastilla, cruzando distancias impensables y colapsando la inconmensurabilidad del universo.

Intuyendo la brutalidad de esas prisas, Serafín Álvarez nos propone recorrer una serie de pasillos extraídos de varias películas de ciencia ficción. A pesar de habernos instalado cómodamente en la abrumadora hipertrofia de las dimensiones cósmicas, a menudo se nos olvida que las estructuras que conectan origen y destino son las que permiten el desplazamiento. El pasillo se convierte, por lo tanto, en una especie de primer síntoma. Entramos en él para ponernos en circulación. Es un espacio desarraigado, sin propietario. Es nexo, conjunción, metáfora de proceso, de cambio, de tránsito y de transición. En él, ni se empieza ni se acaba. Para Álvarez, en Maze Walkthrough se hace «apología del entre-medio». El pasillo es sobre todo una arquitectura de paso, esa es su naturaleza comunicante. Los cuerpos que la utilizan son empujados a ponerse en movimiento, a mostrarse acelerados. Si la ambigüedad no-concluyente del pasillo se desliga de lugares de partida y llegada, se crea entonces una arquitectura en suspensión, en bucle, sin salida. Entramos en el laberinto perfecto. Para salir tendremos que teletransportarnos de nuevo a la realidad prosaica del estar simplemente sentados a este lado de la pantalla.

Esa vuelta, ese regreso a la silla, nos deja también clara la intención de explorar ese tránsito que nos obliga a emprender lo «virtual». Maze Walkthrough se construye en clave de videojuego, poniendo en evidencia como actúan algunos de esos mecanismos que piden la atención inequívoca del ojo y nos permiten, tras desactivar dudas, adentrarnos en la experiencia de lo creíble. Hay un mecanismo que está estrechamente relacionado con la elección de estos corredores. Al adentrarnos en Maze Walkthrough, llama mucho la atención observar como, de golpe, cada vez que se nos presenta la posibilidad de entrar en un pasillo nuevo, se abren las profundidades de un espacio con unas características muy específicas. La forma como estos pasillos repiten sus elementos, tanto estructurales como decorativos, uno detrás de otro, escalándose en la distancia como si de marcos dentro de marcos dentro de marcos se tratara, nos recuerda la puesta en escena de un estricto mise en abyme. Enseguida nos damos cuenta que, en realidad, perseguimos un punto de fuga, que nos estamos perdiendo en una caída constante. La pantalla se convierte en un portal que nos succiona ópticamente hacia dentro. Nos encontramos inmersos en una interminable visión en túnel que nos absorbe y nos fuerza a transgredir la frontera del plasma.

Os podeis descargar Maze Walkthrough aquí.

July, 15, 2014

Domèstica 3

An apartment almost untouched since its construction has been emptied revealing its mysterious life story. This home will have a new inhabitant for one day: Domèstica 3. An exhibition that will finish with an intimate concert that will lead us to its gran finally event, a “free for all” where everybody takes home the art works they fancy best.

For this third edition of Domèstica, I went through the necessary steps to replicate a classic Marlboro pack, leaving, from the onset, some unnecessary elements out. The whole thing, moreover, was kept scrupulously shrink-wrapped and with its peel tab untouched, a detail that I wish to underline. Shrink wrap seems to shroud the whole thing with a certain degree of detachment, as if nothing interfered in the automated process of production. I leave you here some pics related to the process. Voilà!

Peak. Painted paper and celophane wrap

Somewhere between Pere Lobera and Rasmus Nilausen ;)))

July, 11, 2014

Algunas refexiones sobre Es una escena en la que yo mismo actúo de Luis Bezeta

En 1939, en completo apogeo de su carrera y en vísperas de la Segunda Guerra Mundial, el realizador de cine Jean Renoir presenta La Règle du Jeu (La regla del juego). Renoir estrena la cinta en el Colisée de París el 7 julio y en septiembre las tropas alemanas, que ya habían invadido Checoslovaquia en marzo, invaden Polonia. Consciente del escenario bélico que estaba a punto de desatarse, Renoir dirige esta comedia costumbrista no solo para satirizar las veleidades morales de la clase alta, sino que parece también, desde una perspectiva más histórica, querer hacer hincapié en la atonía política con la que las democracias europeas se enfrentaron al fascismo. Aunque hoy, por ésta y muchas otras razones, La Régle du Jeu se considera una de las mejores películas de la historia del cine, las vicisitudes de su historia no fueron nunca a favor de que se diera esa circunstancia. Desde el principio, en medio de una polarización ideológica pre-bélica, las reacciones del público y la crítica fueron siempre contrarias a la cinta. El día del estreno intentaron quemar el Colisée que mantuvo la película en cartel solo tres semanas. Y así continuó su suerte. Poco después, el gobierno francés la prohibiría por «mórbida e inmoral» y, finalmente, en 1942, durante un bombardeo aliado, se destruye completamente el negativo original. Catorce años después, solo a través del tozudo esfuerzo de dos entusiastas del cine, se hallaron partes de negativos, copias y mezclas de sonido que, con los consejos del mismo Renoir, se editan en la versión contemporánea que la encumbra finalmente a la gloria.

Para Luis Bezeta, sin embargo, el fin, ese final, esa relación de vacío con la obra, no termina ahí. A través de una entrevista que le hacen a Renoir años después, Bezeta descubre que, a esa última edición de la película, le falta una parte que nunca se pudo recuperar y nos propone, en Es una escena en la que yo mismo actúo, explorar ese concepto de ruina y catástrofe cinematográfica que parece haber impregnado toda la historia material de La Régle du Jeu. A partir de ahí, siguiendo las escuetas anotaciones contenidas en la entrevista y las informaciones derivadas de un trabajo minucioso de investigación en la Cinemateca Francesa de París, Bezeta proyecta el trabajo de reconstrucción de esa pérdida, un extenso plano panorámico de veinte segundos en el que el propio Renoir encarnando el papel de Octave discutía junto con otro personaje los impulsos libidinales de las sirvientas.

El carácter ecfrástico con el que Renoir nos recuerda las formas de ese fragmento irrecuperable de su obra nos coloca de nuevo ante la pregunta: ¿Qué necesidad obedece reconstruir la escena si ya tenemos conocimiento de sus detalles y su función en la totalidad de la obra? Más allá de reprimir una pulsión iconoclasta, o de suplir relleno a un mero horror vacui, la decisión de Bezeta responde a un criterio de simple accesibilidad, de romper las barreras de una distancia que solo está para inyectar carga aurática a un objeto que se ha convertido, con los años, en artefacto de culto. Si el concepto de cultura popular solo es concebible a partir de la copia, ¿hasta donde nos permitimos desplegar la necesidad de ese simulacro? Lo interesante, en este caso, es que aquí la necesidad del simulacro se produce en términos de relación del autor con su obra. Para Renoir, encarnar el papel de Octave adquiere valor sintomático. Octave es el personaje que dirige todo el entramado de relaciones que se desarrollan en la cinta. Renoir es Octave para poder penetrar en el mundo de Les Caprices de Marianne, la comedia de Alfred de Musset que inspira inicialmente La Régle du Jeu, y desde ahí familiarizarse con la sensación alienante de una clase movida solo por un individualismo hedonista. En Es una escena en la que yo mismo actúo, Bezeta incide precisamente en la necesidad de ese simulacro.

April, 22, 2014

Contempo 2014. International Contemporary Art Festival. Varna, Bulgaria

ИЗЛОЖБА 25.04-10.05
градска художествена галерия - каравелов 1
дамата с x-rey очи - куратор раул замудио (сащ ) - участват: ала дехган (иран), гордън чьонг (великобритания), деспо магони (гърция/сащ), ема маккаг (сащ), елън джурадо ( сащ), ко санг у ( южна корея/сащ), патрин хамилътн (белгия/чили), рубен верду (испания/венецуела), сари терваниевми (финландия ), торилд стрей (норвегия), феран мартин (испания), хоакин сегура (мексико)

Contempo 2014 at the City Art Gallery with Ferran Martin, Joaquin Segura, Sari Tervaniemi, Gordon Cheung, Emma McCagg, Koh Sang Woo, Elan Jurado, Ala Dehghan, Ruben Verdu and Despo Magoni.

April, 5, 2014

*SEKW- at Galería 6más1 as part of a3bandas in Madrid

Con Efrén Álvarez + Antonio Gagliano, David Bestué + Andrea Valdés, Jaume Ferrete, Ana García-Pineda, Antoni Hervás, Victor Jaenada, R. Marcos Mota, Mariokissme, Obra Social Son Goku, Daniela Ortiz + Xose Quiroga, Quim Packard, Esther Planas, Sitesize, Rubén Verdú

Comisariado por Alex Brahim para Galería 6mas1 en el marco de a3bandas 2014

*sekw- toma como punto de partida la raíz indoeuropea homónima para articular un recorrido por obras y proyectos de artistas de Barcelona que en los últimos años han tocado la cuestión catalana o el asunto de lo español. A su vez, esta dialéctica se ve atomizada por puntos de fuga que ponen en crisis su construcción dualista, derivando finalmente en una "vuelta al origen" que cuestiona el modelo de estado-nación como estamento y a sus representaciones como régimen identitario.

La invitación a comisariar un proyecto en a3bandas, concretamente en Madrid, en una galería de sensibilidad arriesgada y bajo la premisa de que los artistas sean de Barcelona, resulta el escenario idóneo para una acción de contexto: un gesto de respuesta coyuntural, desde el comisariado, a la escalada que en los últimos años ha sufrido el debate sobre la posición de Cataluña frente al Estado español, ocupando en tiempos recientes un lugar de franca centralidad en la esfera pública.

En un aparente callejón sin salida al día que se escriben estas letras, el conflicto entre Cataluña y España discurre entre los políticos y los medios de comunicación, siendo prácticamente nulo el pronunciamiento, cuando menos visible, de los sectores del arte y la cultura, bien dados a intervenir en los asuntos propios del común. Si bien hay quien acusa a estos agentes de mera desidia o de silenciosa complicidad con la incertidumbre del poder, soy de los que se inclinan a creer que los derroteros del arte y la cultura, así como sus redes profesionales y afectivas, trascienden las estructuras que delimitan el cuerpo social a la medida de unos intereses políticos desacreditados como representatividad del conjunto de la ciudadanía, como garantes de su bienestar.

No obstante, sí que existe una genealogía reciente de trabajos que, desde el arte contemporáneo catalán, sobre todo emergente, han aportado señalamientos, reflexiones, discursos y acciones inspirados en la construcción de lo catalán y lo español. Este proyecto comparte y repasa algunos de ellos, a partir de una constelación verbal que es la cartografía de un sustrato compartido: una raíz común al castellano y el catalán, origen etimológico de múltiples vocablos que designan dinámicas de organización social, relaciones sistémicas y estamentos de representación visual.

March, 18, 2014

La fractura en el continuo del cuerpo pensante

«Mientras tanto, el sol envejece […] Pero con esta explosión que vendrá, inevitable, parece como si lo que siempre se olvida en vuestros juegos de pensamiento viniera ya, a priori, a hacerlos póstumos, fútiles».
Jean-François Lyotard. Lo inhumano

El concepto fundamental de lo sublime ha respondido siempre a ese sentimiento de caída inminente que se adueña de la experiencia de todo aquel que se acerca al borde del abismo. La caída, al contrario de la escalada y todos esos otros tipos de promociones que se planifican al detalle, rompe con todo intento de establecer una secuencia de eventos ordenados. Cada vez que intentamos levantarnos, ascender a la cima, empezar la cuenta atrás para el despegue, sentimos que nos acompaña la presencia de aparatosos accidentes. No se intenta la caída. De hecho, ya estamos, siempre hemos estado «ahí abajo».

En El malestar en la cultura, Freud anotó de que manera podía verse afectado el ser humano al ponerse en pie y que consecuencias podían determinarse de ese acto evolutivo. Freud escribe: «Por consiguiente, en el comienzo del fatal proceso de la cultura se situaría la postura vertical del ser humano. La cadena se inicia ahí, pasa por la desvalorización de los estímulos olfatorios y […] luego se otorga una hipergravitación a los estímulos visuales»

Todo intento de ponernos en un precario equilibrio vertical responde a una necesidad urgente: colocar el globo ocular en una posición de privilegio, en un lugar elevado. Se cumple, así, el impulso y la necesidad imperiosa de lograr esa distancia necesaria, esa separación y desapego que caracteriza toda actividad escrutadora del ojo. Esta tendencia evolutiva desencadena una serie de despeques en cadena, que, sin duda, reconoceremos con sólo recordar la Blue Marble, la imagen tomada el 7 de diciembre de 1972, por los miembros del Apollo 17 en su misión a la Luna, la primera fotografía entera de la Tierra. Desde el momento en que los humanos nos ponemos en pie hasta el envío de los Voyager 1 y 2, o el Curiosity, la última sonda exploratoria a Marte, se nos confirma la compleja realidad que establece la extensión lógica de ese principio, de esos consecutivos liftoffs. El cuerpo queda definitivamente aparcado, relegado a los confines de la Tierra, sustituido por una serie de prótesis tecnológicamente complejas que principalmente están conectadas y responden solamente a las necesidades de una mente inmóvil pero infinitamente curiosa.

Al final, ese imperativo óptico provoca una fractura en el continuo del cuerpo pensante que, forzado por esa serie de desapegos, tendrá una importancia crucial en relación a la pregunta determinante de Lyotard: ¿«[…]se puede pensar sin cuerpo»?

December, 23, 2013

Wishing merriment to you all!

In line also with recent public declarations and my feeling that art wishes for the return of certain powerful effects that can only be found in a pre-historical cultural context, this seems, in fact, a season dedicated to ritualize things we have been effectively placed in a kind of cultural unconscious. Fly agarics (Amanita muscaria) develop mycorrhiza symbiotic relationships with conifers (pine, spruce, fir, cedar). Raw consumption of fly agarics produces a number of gastro-intestinal reactions that have led us to believe we are in font of a dangerously poisonous mushroom. The fact is, however, that the shamans of old northern European cultures have always consumed these amanitas with no problem, taking quick advantage of their powerful entheogenic substances that lay within. The sole prerequisite for its consumption is that the mushroom needs to be thoroughly dried. In the forests of central and northern Europe, it was not, therefore, uncommon to find conifers with a whole harvest of amanitas hanging from its branches in order for them to get dried.

November, 25, 2013

Mud Flag

Happy to see how Mud Flag turned out once installed. I particularly enjoyed the choice of mud picked for the occasion. In my latest forest incursions, I have spotted a mud pool that wild boars use and I have been thinking about the dialectic implications of such raw materialism. I am more and more convinced that art is being spurred by a kind of “nostalgia for prehistory”.

October, 18, 2013

Le déchet de luxe

I’m happy to see that the Swiss press was quick to pick on the parodic implications of the Louis Vuitton Trash Bag.

For instance, Fribourg’s daily, La Liberté, calls the piece “déchet de luxe”, and describes the kind of encounter the visitors at Lausanne's MUDAC had with it: “Le sac de luxe est aussi au rendezvous, par exemple estampillé Louis Vuitton, négligemment posé par terre et rempli de déchets…”.

Le Courrier d’Oron takes also note of the implicit intentions of the piece by suggesting that “Les artistes, à travers leur démarche, s'interrogent sur cet objet culte ou déchet, aimé ou méprisé, qui nous identifie et fragilise l'environnement. Critiques voire provocateurs, une trentaine d'artistes et designer s'expriment sur le sujet, souvent avec humour et dérision. A l'instar de Ruben Verdu évoquant, avec «Louis Vuitton Trash Bag », les codes du luxe et du déchet”.

Even Marie Claire Édition Suisse illustrates its short mention of the show with an image of the piece. Of course, that could not be otherwise!